Der Beitrag befasst sich am Beispiel von Christian August Vulpius’ Roman Rinaldo Rinaldini mit frühen Formen moderner Fanfiction. Die Fortsetzungen des Romans von fremder Hand arbeiten in unterschiedlicher Weise daran, jene Probleme, die im Original ungelöst bleiben, zu beheben und der kontingenten Ereignisfolge ein Telos zu verleihen. Das Beispiel zeigt, dass Fanfiction die unrealisierten Möglichkeiten literarischer Werke nutzt, indem sie durch eigenwillige Lektüren die Zwangsläufigkeit von Handlungsverläufen hinterfragt und alternative Welterklärungsmodelle entwirft. Zugleich lässt sich an Vulpius’ Roman beobachten, inwiefern Vorlage und Fanfiction hier in einem Wechselverhältnis stehen. Die Untersuchung von Fanfiction eröffnet damit auch Perspektiven für eine netzwerkförmige Literaturgeschichtsschreibung.

Using Christian August Vulpius’ novel Rinaldo Rinaldini as an example, this article deals with early forms of modern fanfiction. The unauthorized sequels to the novel explore different ways to remedy problems that remain unsolved in the original version and to find a telos for the contingent sequence of events. The example shows that fanfiction makes use of the unrealized possibilities of literary works by questioning the inevitability of plot developments through idiosyncratic readings and designing alternative models for explaining the world. At the same time, Vulpius’ novel demonstrates the extent to which the original novel and the works of fanfiction are interrelated. The study of fanfiction thus also opens up perspectives for a network-based historiography of literature. Schließen Ganzer Artikel

Ausgehend von zwei Texten Simone Weils und Charles Baudelaires untersucht der Beitrag die religiöse Signatur der literarischen und politischen Moderne des 19. und 20. Jahrhunderts. Manifest wird sie in einem genuin allegorischen Sprach- und Weltverständnis, das sich gegen die schlechte Unendlichkeit einer techno-wissenschaftlich verdinglichten Welt richtet, die sich jeder Alteritätserfahrung verschließt. Religiöse Begriffe und Figuren sind in der literarischen Moderne nicht je schon uneigentliche Rede, sondern verlangen nach einer vorurteilsfreien Lektüre, die theologische Fragen nicht aus-, sondern miteinschließt. Dafür steht nicht zuletzt auch Walter Benjamins Lektüre Baudelaires ein.

On the basis of two texts by Simone Weil and Charles Baudelaire, the article examines the religious signature of literary and political modernity in the 19th and 20th centuries. This signature manifests itself in a genuinely allegorical understanding of language and the world, which is directed against the bad infinity of a techno-scientifically reified worldview insulating itself against any experience of alterity. In literary modernity, religious concepts and figures are not to be categorized a priori as inauthentic speech, but demand an unprejudiced reading that does not exclude theological questions. Walter Benjamin’s reading of Baudelaire bears witness to this. Ganzer Artikel

Der vorliegende Aufsatz beleuchtet die komplexen Wechselbeziehungen zwischen Physik, Literatur und Philologie in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Ausgehend von einem Brief des österreichischen Physikers Erwin Schrödinger an Ernst Cassirer gehen wir der Frage nach, inwiefern die prominenten deutschsprachigen Vertreter der aufstrebenden theoretischen Physik nicht nur literarische Texte und Inhalte verarbeiteten, sondern in ihrer zutiefst philologisch geprägten Publikations- und Arbeitspraxis auch textwissenschaftlich operierten. Lassen sich in den nachgelassenen und publizierten Schriften von Physikern wie Schrödinger neue Hinweise darauf finden, dass die »Macht der Philologie« noch weit ins Jahrhundert der Physik nachwirken, ja Philologie vielleicht sogar als Wissensmodell in der theoretischen Physik fungieren konnte?
This essay examines the complex interrelations between physics, literature, and philology in the first half of the 20th century. Starting from a letter of the Austrian physicist Erwin Schrödinger to Ernst Cassirer, we investigate how theoretical physicists in the German-speaking world referred to literary texts and contents. Beyond that, we focus on traces of philological working and publication practices in the works of the physicists. To what extent and under what conditions could philology function as an inevitable knowledge model for the modern natural sciences? Schließen Ganzer Artikel

Die barocke grâce bildet die sozio-politische und ökonomische Kontrastfolie für das ideale Griechenland, das Winckelmann als Gesellschaft im Zeichen der charis entwirft. Es entspricht avant la lettre der Gaben tauschenden Gesellschaft im Sinne von Marcel Mauss. Der Begriff der charis deckt sich, wie an Pindar, einer entscheidenden Referenz des Gelehrten, deutlich ist, in vielen Hinsichten mit dem der Gabe. Winckelmann entwickelt Aspekte der charis und der Gabenbeziehung an der griechischen Lebensweise, den antiken Kunstwerken und der Kunstbetrachtung und konzipiert ›Grazie‹ als Verhältnis der Anerkennung. Seine Statuenbeschreibungen fungieren selbst als Gaben, die eine neue Art der Sozialität ermöglichen. Denn ein zeitgenössisches Pendant zu einer Gesellschaft, in der Schönheit ein fait social total bildet, ist die amikale Gemeinschaft der ästhetisch Sensibilisierten: In ihr kultivieren Gleichrangige einen liebend-vertrauten Umgang mit den Kunstwerken.

The baroque concept and practices of grâce are the socio-political and economic background against which Winckelmann’s ideal Greece stands out as an age of charis. His Greek world corresponds avant la lettre to the gift-exchanging society in the sense of Marcel Mauss. As is clear from Pindar, one of the German scholar’s crucial references, the semantics of charis and that of gift overlap in many respects. Winckelmann develops aspects of charis and the gift paradigm while commenting on the Greek way of life, on ancient works of art, and their reception, conceiving ›grace‹ as a relationship of social recognition. His descriptions of statues themselves function as gifts that enable a new kind of sociality. The amical community of the aesthetically educated in which equals cultivate a loving and familiar relationship with works of art is a contemporary counterpart to a society in which beauty was a »total social fact«.

Der Beitrag untersucht Indizien und Argumente für eine Homosexualität des Dichters Johann Wilhelm Ludwig Gleim, wie sie hauptsächlich in der angloamerikanischen genderorientierten Germanistik vorgetragen werden. Von Bedeutung sind dabei insbesondere Gleims Briefwechsel und Freundschaften mit Johann Georg Jacobi und Johannes von Müller. Der Beitrag bestimmt die Interpretation der empfindsamen Freundschaft des mittleren 18. Jahrhunderts als Homoerotik angesichts der historischen Veränderlichkeit der Freundschaftskultur und etwa auch der Freundschaftspraktik des Freundeskusses als unzulässige heutige Projektion. Er stützt sich maßgeblich auf die Abhandlung von W. Daniel Wilson, »But is it gay? Kissing, friendship, and ›pre-homosexual‹ discourses in eighteenth-century Germany« (2008), hinter welche die Forschung wieder zurückgefallen war.

The article examines the evidence and arguments for the poet Johann Wilhelm Ludwig Gleim being homosexual, as they are presented mainly in Anglo-American gender-oriented German studies. Gleim’s correspondence and friendships with Johann Georg Jacobi and Johannes von Müller are particularly important. In view of the historical variability of the friendship culture and, for example, the friendship practice of kissing friends the article determines the interpretation of the sensitive friendship of the middle 18th century as homoeroticism as an inadmissible modern projection. It draws mainly on the treatise by W. Daniel Wilson, »But is it gay? Kissing, friendship, and ›pre-homosexual‹ discourses in eighteenth-century Germany« (2008), behind which the research had fallen back again.

Dass Also sprach Zarathustra einen Erzähler hat, wird meist übersehen. Der Beitrag arbeitet die unterschiedlichen Rollen und Funktionen des Erzählers in Nietzsches Hauptwerk heraus, diskutiert die damit verbundene Gattungsproblematik und fragt nach den Formen und Folgen eines Erzählens nach dem Tode Gottes. Es werden die unterschiedlichen Störungen in der Erzählordnung vorgeführt und diese im Licht einer chaotisch und kontingent gewordenen Moderne interpretiert.

The article elaborates the significance of the different roles and functions of the narrator in Nietzsche’s main work, which are usually neglected by Nietzsche research, discusses the problem of genre and asks about the forms and consequences of narration after the death of God. The various disturbances in the narrative order are presented and interpreted in the light of a modernity that has become chaotic and contingent.

Das aktuelle Interesse an Phänomenen der Atmosphäre wie Wetter und Klima hat sich bislang vor allem auf die literarische Auseinandersetzung mit der frühen Meteorologie gerichtet. Der vorliegende Aufsatz schlägt eine wissenshistorische und ästhetische Erweiterung der Perspektive vor: ein Blick auf die sehr viel ältere, aber höchst wirkmächtige Tradition, Luft als Element zu verstehen. Von der antiken Medizin bis ins späte 19. Jahrhundert ist Luft – als Witterungsphänomen, lokales Klima oder Medium schädlicher Dünste – eine spürbare und intensiv wirksame Dimension von Umwelt, die auf Körper, Seelen und Gesellschaften einwirkt. Diese Tradition wird in der Moderne langsam verdrängt, überdauert aber in der Literatur. Während die Wissenschaften von der Atmosphäre die Luft entsinnlichen, bewahren literarische Texte ein Sensorium für ihre Qualitäten und Wirkmacht, das es neu zu entziffern gilt. Als Beispiel einer solchen meteorologischen Lektüre liest der Aufsatz Thomas Manns Novelle Der Tod in Venedig (1912) als einen Text, der sich exakt am Übergang von der alten Theorie der Luft als Element zu einem modernen Verständnis von Atmosphäre und Ansteckung situiert. In den Stimmungen und Witterungen, die der Text entfaltet, zeigt sich Luft als Resonanzraum und maßgeblicher Schrittmacher für Aschenbachs Untergang.

Contemporary interest in atmospheric phenomena like weather and climate has so far focused primarily on the engagement of literature with early meteorology. This essay proposes broadening the perspective both in terms of a history of knowledge and of aesthetics. Its focuses on the much older, yet extremely persistent tradition of understanding the air as an element. From Ancient medicine to the late nineteenth century air – as weather, local climate, or medium of noxious vapors – was a tangible and intensely effective dimension of the environment, affecting bodies, souls, and society. While receding in modern science, this tradition survived in literature which insisted on the connection between the air and human senses, affects, and ways of life. While the emerging atmospheric sciences set about desensitizing the air, literary texts preserved a sensorium of its qualities and efficacy which needs to be deciphered anew. This essay provides an example of such a ›meteorological reading‹ with attention to Thomas Mann’s novella Death in Venice (1912), situating the text at a moment of transition from the old theory of air as an element to a modern understanding of atmosphere and contagion. Read from this perspective, the moods and weather conditions meticulously unfolded in the text come to the fore and prove to both resonate with and set the pace for Aschenbach’s demise.

Die wissenschaftliche Rezeption hat Goethes Gedichtzyklus »Sonette« mit fortschreitender Tendenz einer modernen Poetik der Diskontinuität zugeordnet und eine Hinwendung zur Allegorie postuliert, die charakteristisch für Goethes Spätwerk sei. Der Petrarca-Bezug des Zyklus ist in diesem Rahmen nur ansatzweise in den Blick genommen worden. Eine detaillierte Lektüre kann jedoch nachweisen, dass die Sonette in enger interner Verschränkung auf die epistemische Rahmung von Petrarcas lyrischem Diskurs Bezug nehmen, diese mit den Mitteln einer Symbolpoetik verwandeln und sich der romantischen Sonett- und Petrarca-Verehrung kritisch zur Seite stellen.

With growing tendency Goethe’s lyric cycle »Sonette« has been interpreted as a precursor of modern poetics, based on aspects of discontinuity and the prevalence of allegory as characteristics of Goethe’s »Spätwerk«. The cycle’s reference to Petrarch does not figure prominently in these interpretative contexts. A close reading of the cycle, however, shows that the sonnets are interwoven internally while focusing on the epistemic core of Petrarch’s lyric discourse, aiming at transforming it by means of a poetics of the symbol and thus contributing in a critical fashion to the romantic revival of the form of the sonnet as well as of Petrarch.

Oliver is considered one of the main representatives of German-language writers with a migration background. Thus, research has hitherto focused on topics related to so-called »migrant literature«, such as the xenophobic violence against minorities, or the feasibility of a hybrid identity or a transcultural »third space«. This essay differs from these content-based readings in that it foregrounds Oliver’s innovative poetics. Apart from Celan, Mayröcker, and Domin, the richest inspiration for Oliver’s poetics is Lorca, above all Lorca’s works Romancero gitano and Poema del cante jondo, and his two extensive lectures on »Duende«, the creative spirit that, according to Lorca, animates the performance of flamenco. Transcending Lorca, in his Ballad of Duende, Oliver embarks on a quest for a Duende which blends the »Andalusian« and the »German«, relying on poetic means, including a variety of prosodic, metaphoric, and rhetoric modes of expression. Furthermore, his striking use of neologism, syllabification, punctuation, and syntax engenders an associative expansion of meaning. Oliver thereby creates a language that is fundamentally ambiguous. His Duende empowers a kind of performative speaking that allows for multiple readings – roughly, from myth to Marx – and that is, importantly, an expression of resistance.

Oliver gilt als einer der Hauptvertreter deutschschreibender Autoren mit Migrationshintergrund. Die bisherige Forschung konzentriert sich deshalb vor allem auf Themen der sogenannten »Migrantenliteratur«, wie etwa die xenophobische Gewalt gegen Minoritäten, oder die Realisierbarkeit einer hybriden Identität oder eines transkulturellen »dritten Raumes«. Im Gegensatz zu diesen inhaltsbezogenen Untersuchungen stellt dieser Essay Olivers innovative Poetik in den Vordergrund. Neben Celan, Mayröcker und Domin ist Lorca die wohl ergiebigste Quelle für diese Poetik, vor allem die Gedichtbände Romancero gitano und Poema del cante jondo und zwei umfangreiche Vorträge über »Duende«, den schöpferischen Geist, der laut Lorca die Flamenco-Aufführung beseelt. Über Lorca hinausgehend begibt sich Oliver in seiner Ballade vom Duende auf die Suche nach einem Duende, der das »Andalusische« mit dem »Deutschen« verquickt und sich dabei vorab poetischer Mittel bedient, insbesondere einer Vielfalt prosodischer, metaphorischer und rhetorischer Ausdrucksweisen. Hinzu kommen assoziative Sinnerweiterungen durch frappierende Wortschöpfung, Silbentrennung, Zeichensetzung und Syntax. Auf diese Weise schafft sich Oliver eine Sprache, die grundsätzlich mehrdeutig ist. Sein Duende verwirklicht sich in einem performativen Sprechen, das unterschiedliche Lesarten zulässt – grosso modo, von Mythos bis Marx – und nicht zuletzt auch ein Ausdruck von Widerstand ist.

Die Freundschaft zwischen Friederike Mayröcker und Thomas Kling begründete einen anregenden Austausch zwischen zwei der einflussreichsten deutschsprachigen Dichter des späten 20. Jahrhunderts. Dieser Artikel wird anhand zweier, Kling gewidmeter Gedichte Mayröckers aus den späten 1980er bzw. frühen 1990er-Jahren den Beginn ihrer Freundschaft näher beleuchten. In einer notwendigen Ergänzung der bisherigen Forschung wird der Schwerpunkt dieses Artikels dabei auf Mayröckers Sichtweise liegen. Insbesondere ihre von Friedrich Hölderlin beeinflusste Auseinandersetzung mit historischer Erfahrung im Medium dichterischer Sprache sollte später zu einem wichtigen Vorbild für den jungen Kling werden.

The friendship between Friederike Mayröcker and Thomas Kling initiated an inspiring exchange between two of the most influential German-speaking poets of the late 20th century. By discussing two of Mayröcker’s poems dedicated to Kling from the late 1980s and early 1990s, this article will shed light on the beginning of their friendship. In a necessary addition to existing research, this article will thereby focus on Mayröcker’s perspective. Her engagement with historical experience through the medium of poetic language in particular, which was inspired by Friedrich Hölderlin, should later become an important model for the young Kling.

Die Neue Rechte betreibt seit 2000 eine umfangreiche Literaturpolitik. Aktionen im Literaturbetrieb, eigene Publikationen sowie ein expandierender Literaturjournalismus (der neben Büchern und Zeitschriften auch Internetblogs, Podcasts und Videos umfasst) werden mit zunehmendem Geschick und Erfolg dazu genutzt, neurechte Ideologien im Kulturbetrieb zu verankern. Dies zeigte sich u.a. in der 2020 um die Schriftstellerin Monika Maron geführten Debatte, die der Aufsatz zum Ausgangspunkt nimmt, um die wichtigsten metapolitischen Strategien neurechter Literaturpolitik vorzustellen: eine Veränderung des Lektürekanons, eine politische Funktionalisierung von Ästhetik und ästhetischer Erziehung sowie literaturbetriebliche Aktionen. Abschließend wird am Streit um den Debutroman von Simon Strauß diskutiert, wie sich angemessen (auch literaturwissenschaftlich) auf neurechte Literaturpolitik reagieren lässt.

The New Right is pursuing an extensive literary policy since 2000. Activities in the literary business, publications and an expanding literary journalism (which, in addition to books and magazines, also includes internet blogs, podcasts and videos) are used to implant new-right ideologies in the cultural establishment with increasing skill and success. This became apparent, among other things, in the 2020 debate surrounding the writer Monika Maron, which the essay takes as its starting point in order to present the most important meta-political strategies of new-right literary politics: a change in the reading canon, a political functionalization of aesthetics and aesthetic education, as well as activism in the literary business. Finally, the controversy surrounding the debut novel by Simon Strauß will be used to discuss how to react appropriately (also in terms of literary studies) to new-right literary politics.

Für die mittelhochdeutschen Romane um 1200 läßt sich eine spezifische sozialgeschichtliche Einbettung annehmen, die Konsequenzen für ein Modell literarischer Kommunikation hat. Im Zusammenspiel von Verfassern, geistlichen Beratern – dem Hofklerus – und zunächst einmal adligen Damen entstehen die Texte, denen eine hofklerikale Perspektive auf Fragen feudaladliger Existenz eignet: Die ästhetisch komplexen volkssprachigen Texte lassen klare Problembezüge erkennen. Im Rahmen dieses Modells literarischer Kommunikation wird der Erec Hartmanns von Aue als Absage an Versuche ritterlicher Selbsterlösung gedeutet, denen der sich der göttlichen Gnade öffnende Wille des demütig Gläubigen gegenübergestellt wird. Der Tristan Gottfrieds von Straßburg scheint mit Blick auf die Protagonisten ein Negativexempel zu entwickeln, wobei durch suggestive Gestaltungsdynamiken das Abrücken der edelen herzen von Tristan und Isolde zunächst verhindert und dann umso stärker forciert wird.

A specific social-historical embedding can be assumed for the Middle High German novels around 1200, which has consequences for a model of literary communication: In the interplay of authors, spiritual advisers and first of all noble women, the texts are created for which a courtly-clerical perspective on questions of feudal noble existence is suitable. The aesthetically complex vernacular texts focus on certain problems. In the context of this model of literary communication, Hartmann of Aue’s Erec is interpreted as a rejection of attempts at knightly self-redemption, which are contrasted with the will of the humble believer, which opens up to divine grace. Gottfried of Strasbourg’s Tristan seems to tell of a negative example with regard to the protagonists, whereby the edele herzen move away from Tristan and Isolde only in an aesthetic process of reception.

Dieser Beitrag untersucht die Beziehung zwischen dem Geniediskurs und der Faszination für ungelehrte Autorschaft im 18. Jahrhundert. Literaturgeschichtlich erschließt er Konstellationen, in denen die Hallische Aufklärung am Beispiel der Dichterinnen Anna Dorothea Lange und Anna Louisa Karsch das Schreiben von Ungelehrten studierte und so Konzepte des Naturgenies vorbereitete. Systematisch hinterfragt er das Modell einer autonomen Rede, indem er diese Versuche auf Sprechmodelle der religiösen Inspiration zurückführt, in denen der inspirierte Status stets durch eine externe Instanz zugeschrieben werden musste.

This paper examines the relationship between discourses of genius and the fascination with untaught poets in the 18th century. In terms of literary history, it shows how authors of the Enlightenment in Halle studied women poets Anna Dorothea Lange and Anna Louisa Karsch as examples of the writing of the untaught, thereby preparing concepts of the natural genius. On a systematic level, the article challenges the idea of autonomous speech by tracing this constellation back to models of religious inspiration, in which the inspired status of the speaker had to be affirmed by an external authority.

Der tragische Schluss der Emilia Galotti hat von Anfang an gespaltene Reaktionen hervorgerufen. Noch heute sind zahlreiche Missverständnisse im Umlauf. Stimmen, die seine fragwürdige Konstruktion bemängelten, verklangen bald. Stattdessen wurde nach Verantwortlichen für die Katastrophe gefahndet. Dass schon bald der Vater, Odoardo Galotti, in Haftung genommen wurde, liegt, so die These, nicht zuletzt an einer Umwidmung oder Neukonzeption des tragischen Opfers. Es wird mit zentralen Versatzstücken der zeitgenössischen Geschlechtersemantik aufgeladen und einer metadramaturgischen Reflexion unterzogen. Emilias Selbstopfer ist ein Opfer im Wortsinn, es stattet die victima mit allen Attributen des sacrificiums aus. Und es ist ein Opfer, das maßgeblich von der Figur selbst in die Wege geleitet und vollzogen wird. Ein Großteil der nachfolgenden Dramatik arbeitet sich unter Übernahme der geschlechteranthropologischen Prämissen an diesem fulminanten Ende ab. Die Unterminierung einer bürgerlichen Würdekultur durch eine bald sich etablierende Kultur des Opfers setzte schon damals ein. Tatsächlich dokumentiert das Stück eine Krise der Tragödie. Wenn schon das Opfer selbst eine Darstellungsfunktion besitzt, dann steht bis heute zur Debatte, welche Funktion die Darstellung des Opfers besitzt.

Ever since, the tragic ending of Emilia Galotti has stimulated divided reactions. Even today numerous misreadings occur. Voices which criticized its questionable or yet dubious construction soon faded. Instead of that, responsibles have been searched for. Especially Odoardo Galotti, Emilia’s father, has been taken into accountability. The reason for this, thus the claim, lies in a new conception of tragic sacrifice. It is being charged with central elements of contemporary gender anthropology. Furthermore, it undergoes a metadramaturgic reflection. Emilia’s self-sacrifice represents a genuine »Opfer« in the literal senses of victima and sacrificium. Actually, this sacrifice is significantly initiated and performed by the character itself. A major part of subsequent dramatic production is adopting the tragedy’s premises on gender anthropology while commenting on the fulminant ending. It is as early as this that a bourgeois culture of dignity is being undermined by a victimhood culture. The drama does in fact document a crisis of tragedy itself. If already sacrifice possesses a dimension of representation, a further question remains yet unanswered: Which function does (dramatic) representation of sacrifice fulfill?

Trakl konfrontiert ein materialistisches und ein idealistisches Wirklichkeitskonzept, um die Alltagsrealität als defizient zu kritisieren und auf poetische Weise eine geistige Gegenwirklichkeit orphischer Innerlichkeit zu gewinnen. Er benutzt dazu in Anlehnung an antike und christliche Vorbilder eine traditionelle Bildlichkeit, wonach der Tod als Schattenwelt, das Leben als Traum oder Theaterspiel erscheint, und eine in sich stimmige Symbolik. Zuletzt aber scheitert auch diese rein subjektive Sinnsuche der Erinnerung an bessere Zeiten an der unheilbaren Sinnlosigkeit der sozialen und kulturellen Gegenwart.

Trakl confronts a materialistic and an idealistic concept of reality in order to criticize everyday life as deficient and to poetically gain a spiritual counter-reality of orphic inwardness. He uses, based on antique and christian models, a traditional imagery, according to which death appears as a world of shadows, life as a dream or play, and a coherent symbolism. Ultimately, however, this purely subjective search for meaning through the memory of better times fails because of the incurable senselessness of the social and cultural present.