Im ambivalenten Prozeß literarischer Traditionsbildung sind ›alt‹ und ›neu‹ keine absoluten Gegensätze, sondern funktionale Relationen. Die Vielschichtigkeit konkurrierender Neuerungsdiskurse nutzen gerade Dichtertotenklagen, die seit je zu allusiver Meta- und Überbietungskunst tendieren, auf eigene Weise. Der Beitrag rekonstruiert für eine prägnante, intertextuell aufeinander bezogene Konstellation von Sängernachrufen aus dem deutschen Spätmittelalter (der Stricker, Walther, Frauenlob) die je spezifischen Allusionspoetiken der Texte im Spannungsfeld von Topik und Novation. Die gattungstopisch naheliegende, zentrale Pointe: wenn die Alten tot sind, kann ich neu sein, wird im Modus ästhetisch überdeterminierter, selbstbezüglicher ›Überkunstwerke‹ zugespitzt durch gezielte ironische Potenzierungen der in der Gattung Dichtertotenklage grundsätzlich angelegten Heterochronie.

The formation of a literary tradition is a highly ambivalent process, concepts such as ›old‹ and ›new‹ do not constitute a pair of polar opposites, but rather co-exist in a functional relationship. The complexity of competing conceptions of (in)novation is utilized very effectively in the genre of »Dichtertotenklagen«, which have a high potential for metapoetry and literary emulation. This case study analyses the individual poetics of allusion in three intertextually related German poems from the Late Middle Ages (»Der Stricker«, Walther, Frauenlob) between conflicting influences of topics and (in)novation. The main genre-immanent, topical twist »when my predecessors are dead, I can truly (in)novate« is exaggerated by means of turning them into aesthetically overdetermined, self-referential and over-dominant works of art through efficient ironic amplification of the heterochrony that is traditionally applied in the genre of »Dichtertotenklagen«.

Dichterfreundschaften und Dichterbünde, das ist ein Gemeinplatz der Forschung, dienen der sozialen Stabilisierung. Diese Funktion wird literarischen Gemeinschaften vor allem für die Zeit nach 1750 zugesprochen, als sich durch tiefgreifende sozial- und medienhistorische Umbrüche auch die bis dahin relativ verlässlichen Karrierewege zu verunsichern begannen. Die genaue Rekonstruktion exemplarischer Allianzen legt indes offen, dass die bekannten starken Bünde eingebettet sind in ein ganzes Netz aus kaum sichtbaren Verbindungen. Durch diese Vervielfältigung der Bezüge gerät das Bündnis vom einfachen Vehikel zur Erreichung eines bestimmten zukünftigen Zieles zum Element eines ganzen Interferenzsystems, das durch sein dynamisierendes Potenzial vielfach destabilisierend wirkt und so auch zur literarischen Innovation beiträgt.

Friendships and alliances between poets are supposed to be a stabilising factor in the uncertain field of literature. This function is attributed to literary associations particularly since 1750, as the fundamental changes in society and media began to endanger also the traditional carrier models that had been relatively reliable until then. A reconstruction of particular associations can show that close alliances are often embedded in a network of hardly visible connections. Through this multiplication of relations the association shifts from a simple vehicle for reaching a certain goal to a mere element of a whole system of social interferences that becomes destabilising because of its volatile dynamics. Thus alliances contribute to literary innovation.

Vom Tübinger Verleger Johann Friedrich Cotta wurde 1807 Kleists Erzählung Jeronimo und Josephe. Eine Szene aus dem Erdbeben zu Chili, vom Jahr 1647 veröffentlicht. 1808 folgte sein Drama Penthesilea. Auch für das Journal Phöbus, das im Verlauf des Jahres 1808 von Kleist mit Adam Müller zusammen herausgegeben wurde, soll eine – wenn auch späte – Unterstützung zugesagt worden sein. Dessen ungeachtet war die Beziehung zwischen Kleist und Cotta, die vor allem durch andere vermittelt war, eher ambivalent. Dem Verleger galt Kleist einerseits als Genie, das sich in Betracht ziehen ließ, andererseits aber als Exzentriker, zu dem nicht viel zu sagen war. Es bleibt zu fragen, ob der Grund für die ambivalente Einstellung im Widerspruch zwischen dem eigenen Geschmack und dem Geschäftsinteresse liegt.

In 1807, Kleist’s story Jeronimo and Josephe was published by Johann Friedrich Cotta, the publisher in Tübingen. And his drama Penthesilea followed on in 1808. The journal Phoebus, edited by Kleist and Adam Müller, might also be supported financially by Cotta. But the relationship between Kleist and Cotta remained ambivalent, as they did not have direct contact with each other for a long time. To the publisher, Kleist is a genius who could be paid much attention, but also as an eccentric, to whom not much to say. It remains to be asked whether the reason for Cotta’s ambivalent attitude is the contradiction between the personal taste and business interests.

Der Aufsatz führt mit begriffsgeschichtlicher Präzision durch die komplexe Gedankenwelt des späten Hofmannsthal direkt ins Zentrum seines politischen Denkens und eröffnet in drei Anläufen der Deutung z. T. bisher kaum beachtete Zugänge und eine neue Perspektive auf das geistige Umfeld der umstrittenen Münchener Rede »Das Schrifttum als geistiger Raum der Nation« (1927). Neben in der Forschung geläufigere Namen wie Benjamin und Rang treten die Max Webers und Paul Ludwig Landsbergs als weiteren für das Verständnis von Hofmannsthals konservativer Revolution entscheidenden Impuls. Durch Beharren auf dem orthografischen Detail der Kleinschreibung und Klärung der Identität der in der Rede verwendeten 1. Person Plural wird den sporadisch anzutreffenden Beschuldigungen Hofmannsthals als Steigbügelhalter des NS der philologische Boden entzogen. Gleichwohl wird die Vereinnahmung der Rede und des Spätwerks durch rechtskonservative Kreise am Beispiel Karl Anton Rohans behandelt und auch eine umgekehrte Einflussnahme von dieser Seite erwogen. Überlegungen zur räumlichen Verdichtung der Zeit im geistigen Raum und in den Figuren der Suchenden runden diese Nahaufnahme von den Versuchen einer Poetik der Nation in Hofmannsthals Spätwerk ab.

This survey leads into the centre of the late Hofmannsthal’s politico-cultural thinking. Via precision in terminology, it offers three approaches to the meaning of ›conservative revolution‹, and a new perspective on the ›spiritual environment‹ of the controversial and much discussed Munich Speech (1927). Alongside the names more commonly associated with research on Hofmannsthal, like Benjamin and Rang, the survey points out that Max Weber and Paul Ludwig Landsberg were also central impulses for Hofmannsthal’s conception of the revolutionary conservatism outlined in the speech. Insisting on the orthographic detail of small letters (›konservative/Konservative‹) and identifying the first person plural used in the speech, this analysis evidences that there are no philological grounds for the accusations that Hofmannsthal was a promoter of national socialism. Nonetheless, it refers to the nationalistic reception and misuse of his work by Karl Anton Rohan, and elicits a possible mutual influence of those circles on Hofmannsthal. Considerations of the aggregation of time in the spiritual space and the characters of the »Seekers« complete this close-up on the approaches to a poetics of nation in Hofmannsthal’s late oeuvre.

Der Ansatz der Queer Studies, Binarismen von Geschlecht und Sexualität zu hinterfragen, kann für den Herzog Ernst B fruchtbar gemacht werden. In der Grippia-Episode wird heteronormatives Begehren verkehrt, indem ein männliches Paar ins Zeichenfeld der Hochzeit tritt und die Braut eliminiert wird. Einmal aus ihren normativen Bahnen gelöst, werden die Begehrensvektoren nun auch auf andere Entitäten des Textes gerichtet: Dinge werden Teil der Begehrensökonomie, welche damit nicht mehr als binäres System beschrieben werden kann.

By querying the binaries of sex and sexuality, Queer Studies provide a productive approach to the Middle High German epic Herzog Ernst B. In the Grippia episode, the heteronormative desire is inverted when two male individuals use a wedding arrangement which has been organized for a heterosexual marriage, and the bride is removed from the equation. Uncoupled from normative patterns, the vectors of desire now gear towards other entities of the text: things become part of the economy of desire, which, as a result, can no longer be specified as a binary system.

Philipp Melanchthon bemerkte bei einem Besuch in Frankfurt am Main ein mit einer Inschrift versehenes (jetzt verschollenes) Gemälde, das ihn zu einem Gedicht inspirierte. Er berichtete darüber in Briefen an Freunde und Schüler und kam auch später in Vorlesungen und Gesprächen mehrmals darauf zurück. In seinen Überlegungen zum Sinn des Gemäldes spielen die Namen der auf dem Bild dargestellten Blumen eine Rolle, denn sie beziehen sich auf die Inschrift des Gemäldes, die den Niedergang von »Treue und Wahrheit« in der Welt beklagt. Mehrere seiner Freunde und Schüler griffen seinen Bericht von dem Frankfurter Gemälde auf, allen voran Johannes Stigel, der auf der Basis von Melanchthons früheren Versen ein umfangreicheres Gedicht über das Gemälde verfasste. Durch Zitate und Anspielungen in Exempelbüchern und vergleichbaren Werken blieb das Gemälde mit seiner Inschrift zumindest in protestantischen Kreisen über die Zeiten allgemein bekannt. Gegen Ende des 19. Jahrhunderts schuf Edward von Steinle ein Aquarell, das als eine Art »Wiedererschaffung« des alten verlorenen Gemäldes gedacht war.

During a visit to Frankfurt am Main, Philipp Melanchthon noticed a (now lost) painting with an inscription, which inspired him to a poem. He reported on this in letters to friends and students and he also referred to it several times later in his lectures and discussions. In his thoughts on the meaning of the painting the names of the flowers represented there play a certain role, as they are linked to the inscription on the painting that laments the demise of »loyalty and truth« in the world. Several of his students and friends followed up on his analysis, first of all Johannes Stigel, who on the basis of Melanchthon’s original poem wrote a lengthier work about the painting. In allusions and quotations in books of exempla and similar works, the painting and its inscription remained well-known over the years at least in Protestant circles. Towards the end of the 19th century, Edward von Steinle created a watercolor that was meant to be a kind of a »recreation« of the old lost painting.

Der Beitrag rekonstruiert die um 1800 viel gebrauchte Ordnungsfigur und Darstellungsform »Reihe«. Unter Berücksichtigung der mathematischen Vorgeschichte der Reihe im 17. und 18. Jahrhundert (Descartes, Leibniz, Newton) wird der Frage nachgegangen, wie die Reihe in den geistes- bzw. kulturwissenschaftlichen Diskursen um 1800 funktionalisiert wird. In diesem Zeitraum werden anhand der Reihe unterschiedliche Modernisierungsimpulse wirksam, so bedingt sie zum einen die Begründung eines modernen Formbegriffs. Zum anderen drängt sie auf eine Verzeitlichung, die einer mathematisch-physikalischen Rekonzeptualisierung von Zeit folgt.

The article discusses the series as a much-used figure of order and a form of depiction around 1800. Considering the mathematical context of the series in 17th and 18th centuries (Descartes, Leibniz, Newton), I will examine how the series is functionalized in the humanities around 1800. In this period the series helps a variety of progressive impulses come into force: first it assists in setting up a modern concept of form, secondly it suggests a temporalization according to a mathematic logic.

Wolfgang Schadewaldts 1946 in einem Taschenbuch für junge Menschen erschienene Nacherzählung des Homerischen Epos stellt den Heimkehrern des Zweiten Weltkriegs Odysseus als glücklichen Helden vor Augen, auf den daheim eine treue Gattin wartet. Dabei blendet er die auch nach dem Freiermord fortgesetzten Gewalthandlungen im 24. Gesang der Odyssee aus. Der Aufsatz nimmt Schadewaldts Lesart zum Anlass, um Odysseus als einen Gewaltakteur zu analysieren, der aus dem Gewaltmodus selbst in der anbrechenden Friedenszeit nicht herausfindet. Aktuellen Forschungen zu Kriegstraumatisierten, die auf Homer Bezug nehmen, wird die antike Heroisierung des Kriegers im Konzept des ménos gegenübergestellt.

Wolfgang Schadewaldt’s synopsis of the Homeric epos, published 1946 in a Taschenbuch für junge Menschen, presents Ulysses to the homecoming soldiers of World War II as a fortunate hero for whom a faithful woman is patiently waiting. Schadewaldt ignores, however, the fact that even after Ulysses’ return and the slaying of Penelope’s suitors, he continues to perpetrate violent acts. Namely, he threatens the murdered suitors’ families with death, as is recounted in the 24th song of Homer’s text. The essay takes Schadewaldt’s reading as a cause to analyze Ulysses as a violent actor who is unable to get out of combat mode even in an incipient era of peace. The essay discusses current research into war traumatization in contrast to the heroization of the warrior and the concept of ménos in Greek antiquity.

Im 11. Gesang der Odyssee berichtet Odysseus, dass der Seher Teiresias ihm bei seinem Besuch in der Unterwelt prophezeit hat, dass er nach seiner Heimkehr und nach der Bestrafung der Freier erneut aufbrechen muss, um an einem rätselhaften Ort jenseits des griechischen Kulturraums Opfer für Poseidon zu bringen. Dies, so die Implikation der Teiresias-Rede, sei die Voraussetzung seines Todes in hohem Alter. Der Beitrag untersucht die Ambiguität der Teiresias-Rede mit Blick auf die Reflexion einer unabgeschlossenen Heimkehr nach dem Krieg sowie die Poetik des Epos.

In the account of his visit to the Underworld in the 11th book of the Odyssey, Odysseus relates the prophecy given to him by the seer Teiresias, according to which Odysseus, after returning home and killing the suitors, must again set out from Ithaca. On this journey, Odysseus must find an enigmatic place beyond the boundaries of Greek culture, where he is to sacrifice to the god Poseidon. This, as Teiresias’ prophecy implies, is the precondition for Odysseus’ death in old age. This paper examines the ambiguity of Teiresias’ prophecy with a view to how it reflects the ever-uncompleted homecoming after war as well as the poetics of epic.

Die französische Restauration ist eine Nachkriegszeit, in der sich widerstreitende Formen von Heimkehr überlagern und die Integrität der Nation bedrohen. Die unbestimmte Situation der napoleonischen Heimkehrer nimmt Honoré de Balzac zum Ausgangspunkt für seine realistische Poetik, die er erstmals in der Novelle Adieu (1830) entwickelt. In dieser verkehrten Heimkehrerzählung kommt der Krieg zu keinem Ende, sondern setzt sich in anderen Formen fort, etwa der Jagd oder dem gewaltförmigen Geschlechterkonflikt. Dieser Aufsatz zeichnet eine »Kunst der Übergänge« nach, die Balzac zufolge als Signatur der Restaurationsepoche zu gelten hat, und legt die narrativen Verfahren offen, die in der Bewegung der Heimkehr die Zäsuren von Empire und Restauration, von Krieg und Frieden abschleifen.

The French Restoration was a postwar period in which conflicting forms of homecoming intersected and overlapped with one another, threatening the integrity of the nation. Honoré de Balzac takes the ambiguous situation of Napoleonic soldiers returning home after defeat as a point of departure for his project of developing realist poetics that he first developed in the novella Adieu, written in 1830. An inverted narration of a homecoming, it shows that the return home does not mark the end of war, but witnesses the martial conflict’s metamorphosis into new forms, like hunting or violent gender conflicts. This essay traces an »art of transitions«, which for Balzac is the signature of the Restoration period. It reveals the narrative mechanisms of the movement of homecoming, which mediate between apparent caesura between Empire and Restoration, war and peace.

Conrads Romane erzählen die koloniale Reise als einen Sturz aus Zivilisation und Geschichte, als Rückkehr an einen menschheitsgeschichtlichen Nullpunkt. Das Motiv der Rückkehr gewinnt so eine vorgesellschaftliche Tiefendimension – die Katabasis wird zum dominierenden Chronotopos der Conrad’schen Odysseen. Schon die frühe, in London spielende Erzählung The Return (1897) bereitet die räumliche wie perspektivische Modellierung von Conrads serialisierten Höllenfahrten vor: In der narrativen Zersetzung melodramatischer, auf stabilen Gefühls- und Redeordnungen gründender Bühnen und Diskurse entwickelt Conrad jene ›epischen‹ Verfahren, welche die Darstellung seiner »shifting landscapes« prägen. Aus dem Zusammenbruch illusionärer Räume gewinnt er zum einen perspektivische Unbestimmtheit, zum anderen öffnen sich die Höllenlandschaften auf ›fremde‹, dem romantisch-subjektiven Blick nicht mehr integrierbare Körper und Gegenstände. Bereits das heimische London, nur auf den ersten Blick konventioneller realistischer topos, entwirft so jenes diesseitige und dennoch inkommensurable Unheimliche, das auch Conrads koloniale Landschaften formt. Heimkehr zeigt sich vor diesem Hintergrund als Erkennen des Fremden im Heimischen, als das Entbergen eines hinter der »illusion of a room« bereits lauernden Abgrundes; die in diesem Sinne zum Sturz geratende Heimkehr wird zugleich Ausgangspunkt einer unabschließbaren epischen Katabase. Die genaue Textanalyse zeigt zudem, wie Conrad für die Zersetzung subjektiv stabilisierter Räume narrative Verfahren einsetzt, die sich seiner Flaubert-Lektüre verdanken.

Conrad’s novels equate colonial travel to a fall from civilisation and history, back to humanity’s zeropoint. Returning thus opens into a presocial depth, the catabasis becomes the leading chronotope of Conrad’s odysseys. As early a tale as The Return (1897) shows Conrad fashioning narrative perspective and space to accommodate these serial descents to hell: with the narrative disintegrating melodramatic scenes grounded in stable affective discourse, Conrad develops the »epic« procedures which will allow him to form his »shifting landscapes«. The collapse of »illusions of a room« generates an uncertainty of perspective, while the intruding infernal landscapes produce bodies and objects that will resist integration into romantic subjectivity. Domestic London, seemingly a conventional topos of literary realism, thus maps out the very secular yet incommensurable uncanny of Conrad’s elusive colonial landscapes. Homecoming in this context means recognising the alien in the familiar, means unveiling an abyss always lurking beneath the »illusion of a room« – in this sense homecoming will turn into a fall as much as it will be the starting point for an interminable epic catabasis. Moreover, close-reading can reveal how much of Conrad’s narrative procedures of disintegrating subjective space is owed to his readings of Flaubert.

Die Heimkehrszenen in Gottfried Kellers Roman Martin Salander spielen sich vor dem Hintergrund politischer und ökonomischer Modernisierungsbemühungen im späten 19. Jahrhundert ab. Ausgehend von dieser Beobachtung möchte der Aufsatz dreierlei aufzeigen. Er deckt zuerst latente Gewaltmomente in den wiederholt geschilderten Heimkehrszenen auf, arbeitet dann Wiederkehr und Wiederholung als zentrale Strukturmomente des Textes heraus, um schließlich beide Befunde als eine auf formaler Ebene gegebene Antwort auf die im Roman gestellte geschichtstheoretische Frage nach Fortschritt und Rückschlag in der Moderne zu deuten.

Scenes of homecoming in Gottfried Keller’s novel Martin Salander are developed against the background of political and economic modernization taking place in the late 19th century. Following this observation this essay attempts to lay out three lines of investigation. It will uncover aspects of violence kept latent in the repeatedly narrated homecoming-scenes, it will try to expose the structural affinities between returning and repeating, and it will suggest reading both features as the attempt to come to terms with theoretical notions of progress and regression.

Im eigenen Hause fremd zu bleiben, war nicht erst das Schicksal moderner Heimkehrer, wie es Alfred Döblin und Robert Musil nach dem Ersten Weltkrieg beschreiben. Mit Rip van Winkle verbindet sich die Geschichte eines in die Einsamkeit geflüchteten Mannes, der nach einem Zauberschlaf in eine von Grund auf veränderte Heimat zurückkehrt. Seine wundersame Abwesenheit wirft ein überraschendes Licht in die Latenz der holländisch-englischen Kolonialgeschichte Nordamerikas, indem sie die Selbstbeobachtung innerer Fremdheit ermöglicht. Wilhelm Raabe und später auch Max Frisch nutzen die von Washington Irving eingeführte Figur, um ein jeweils zeitspezifisches Szenario der befremdenden Heimkehr zu entwerfen. Aus einer virtuell bleibenden kolonialexotischen Perspektive stellt Raabes Afrika-Abenteurer Leonhard Hagebucher in Abu Telfan oder Die Heimkehr vom Mondgebirge dem preußischen Deutschland die Diagnose einer mangelnden Fähigkeit zur Aufnahme von kultureller Alterität.

After World War I, the problem of not-belonging to one’s home had become, again, an important motif for many writers, including Alfred Döblin, and Robert Musil. Much earlier, this was the story of Rip van Winkle, the man who went back home after twenty-years of absence, after he had fallen into a magic sleep. Van Winkle returns into a home that has completely changed, while he still represents the now hidden layers of colonial history. Becoming outsiders within, is a state also experienced by the heroes in some narratives by Wilhelm Raabe and Max Frisch, authors who explicitly refer to Washington Irving’s Rip van Winkle. In Raabe’s novel Abu Telfan, the adventurer Leonhard Hagebucher returns back home from the inner regions of Africa, just to realise that nobody among his German fellows is interested in being challenged by outside views.

In den Texten, die Musil nach dem Ersten Weltkrieg publizierte, kommt dem Thema der Heimkehr eine Schlüsselrolle zu. Verschiedene Varianten sind dabei zu unterscheiden: Da ist zum einen die Erzählung der Heimkehr aus dem Krieg, in der Männlichkeitsmodelle, Geschlechterverhältnisse sowie die Überwindung des kriegerischen Habitus der Gewalt auf dem Spiel stehen. Da ist zum anderen die Figuration der Heimkehr als Inversion, als Umwendung oder Umkehrung, die das epische Erzählmuster mit einem novellistischen verbindet. Und da ist schließlich die Geschichte des falschen Heimkehrers, der sich für den lang abwesenden Ehemann ausgibt und als solcher wiedererkannt bzw. anerkannt wird; sie fasziniert Musil als Denkmodell der Stellvertretung und Übertragung. Der Aufsatz arbeitet diese Varianten und ihre Implikationen zunächst unter Bezug auf den Mann ohne Eigenschaften heraus, um auf dieser Basis zu zeigen, wie sie in den Novellen Grigia und Die Portugiesin modelliert werden, mit welchen figurativen Verfahren sie sich verbinden und welche Funktionen ihnen zukommen.

The theme of homecoming plays a key role in the texts which Musil published after the First World War. Several variants of the theme can be distinguished: There is the narrative of homecoming from war in which models of masculinity, gender relations and the question of overcoming the violent habitus of the warrior are at stake. There is the figuration of homecoming as reversal and inversion which combines the epic model with a narrative structure characteristic for the novella. And finally, there is the story of the false homecomer, the imposter, who claims to be the long-gone husband and is recognized as such by his wife; for Musil this story provides a model of reflection for operations of substitution and transference. The first part of the essay identifies these variants and discusses their implications with reference to The Man Without Qualities. On this basis, the second part analyses the novellas Grigia and Die Portugiesin in the light of their figurations of homecoming and the function attached to these figurations.

Um 1750 wird die innermusikalische Debatte über die richtige musikalische Temperierung auf physiologische Diskurse übertragen. Die Diskrepanz zwischen Harmonie und Melodie findet so Eingang in die Poetologie. Klopstock markiert zwar immer Distanz zur Musik; doch mit seinen Termini technici »Tonverhalt« bzw. »Zeitausdruck« schließt er an die musikalischen Paradigmen von Harmonie bzw. Melodie an. In der Analyse der freirhythmischen Ode »Fürstenlob« mit Klopstocks »Wortfüßen« zeigt sich exemplarisch, dass der Dichter seine Dichtung nicht ›musikalisiert‹. Im Gegenteil: Ihn interessieren letztlich die dissonanten und heteromorphen Spannungsverhältnisse zwischen dichterischer Harmonie und Melodie.

In the mid-eighteenth century, the discussion of correct musical temperature was transferred over to physiological discourses. The discrepancy between harmony and melody finds its way in poetology. Klopstock always marked a distance to music; in the use of his termini technici »Tonverhalt« (sound relations) and »Zeitausdruck« (expression of time), however, he connected to contemporary musical paradigms of harmony and melody. An analysis of the free-rhyming ode »Fürstenlob« with Klopstock’s ›word bases‹ reveals that the author did not ›musicalise‹ his poetry. On the contrary: his interest lay with the dissonant and heteromorphic tensions between poetic harmony and melody.

Der Aufsatz zeigt die enge und unterstützende Verbindung von Goethes Unterhaltungen deutscher Ausgewanderten zu Schillers Briefen über die ästhetische Erziehung des Menschen nach einer kursorischen Sichtung des Forschungsstandes textimmanent auf. So kann der Sinn der Abfolge der Binnenerzählungen erklärt als auch die eigentliche subtile Pointe der Unterhaltungen aufgewiesen werden: nämlich die Frage nach der ästhetischen Erziehung und Entwicklung der versammelten Hörerschaft als auch die Frage nach Goethes künstlerischer Stellungnahme zum Schiller’schen Projekt der ästhetischen Erziehung.

This article demonstrates the close and supportive connection between Goethe’s Unterhaltungen deutscher Ausgewanderten and Schiller’s Briefen über die ästhetische Erziehung des Menschen after a cursory examination of the current state of research. Thus, the meaning of the succession of the stories within the narrative can be explained; additionaly, the actual subtle point of the Unterhaltungen can be pointed out: namely, the question of the aesthetic education and development of the assembled audience as well as the question of Goethe’s artistic statement on Schiller’s project of aesthetic education.

Durch die Namensidentität mit Lukian von Samosata und dadurch, dass sie vom Erzähler mit Figuren der komisch-satirischen Literatur verglichen wird, wird der Name Luciane in Goethes Wahlverwandtschaften sprechend. Er deutet darauf hin, dass die betreffenden Kapitel als Satire gelesen werden können. Da sich dort gewisse Motive aus der vorhergehenden Romanhandlung wiederholen, können sie als satirische Auseinandersetzung damit verstanden werden.

Due to her kinship in name with Lucian of Samosata, and owing to the fact that the narrator compares her to characters from satirical literature, the name Luciane in Goethe’s Wahlverwandtschaften becomes an aptronym. It suggests that the relevant chapters may be read as a satire. Since certain motifs that have appeared in previous chapters are repeated there, the Luciane plot can be understood as a satirical assessment of the preceding plot.

Gegenwartsdiagnosen sind nicht den Zeitkritikern vorbehalten, sondern zugleich ein Geschäft der Literatur, die freilich ihre eigenen Geschichten der Gegenwart erzählt. Der Beitrag präsentiert exemplarisch eine philologisch-kulturwissenschaftliche Doppelperspektive auf ein, von der Forschung wenig beachtetes, titelloses Prosastück über die Liebe und Literatur in »moderner Zeit« von Robert Walser, das paradigmatisch ist für wiederkehrende Themen und Tonlagen dieses Autors einer ironisch-selbstreflexiven Moderne: Die erst postum veröffentlichte Erzählung wird einerseits über den eruierbaren Intertext, Gottfried Kellers Romeo und Julia-Novelle, auf die betreffende Stoff- bzw. Gattungsgeschichte, andererseits auf den Kontext der Lebensreform-Bewegungen um 1900 bezogen.

Diagnoses of the present are not exclusive to theoretical investigations; literature also contributes to them. Literary texts, however, tell us very personal stories of their time. This essay presents a reading of a hitherto neglected prose piece by Robert Walser which provides us with an intriguing account of the modern condition of love and literature. The short text, published posthumously, represents recurring themes and expressions in Walser’s work, belonging to an ironical and highly self-reflective modernity. A double perspective on the narrative is proposed by combining traditional philology with a cultural studies approach: on the one hand, the text is considered with respect to the literary topic of the star-crossed lovers and the genre of the novella, by way of its implicit intertext, i.e. Gottfried Keller’s A Village Romeo and Juliet. On the other hand, the prose piece can be understood within the context of the Lebensreform movements of its time.

Der Aufsatz untersucht die Auseinandersetzung Hugo von Hofmannsthals mit Denken und Werk des französischen Dichters Paul Claudel am Beispiel einiger Spuren im Turm-Text. Hofmannsthals von der Forschung bislang kaum beachtete Hochachtung für Claudels Schaffen wirkte sich auch auf andere Texte aus. Sie ist für die Frage nach den stilistischen und dramaturgischen Standpunkten Hofmannsthals sowie für seine spezifische Mythologie und die kritische Analyse von Heroismen ab ca. 1917 sehr aufschlussreich.

The article analyzes Hugo von Hofmannsthal’s examination of the French writer Paul Claudel. Hofmannsthal’s admiration for Claudel’s works and style leaves it’s mark especially in the play Der Turm. In this text, one can find a lot of reminiscences as well as transgressing citation of two early plays of Claudel, Tête D’Or and La Ville. But the esteem for the work of Claudel also influenced other texts of Hofmannsthal. This configuration illuminates some dramaturgical and philosophical questions, for example concerning time and heroism, Hofmannsthal dealt with after the war.

In der österreichischen Literatur der Zwischen- und der Nachkriegszeit erscheint die Figur des Bürokraten als kaisertreuer und letztlich gemütlicher Repräsentant der Welt von gestern. Gegen diesen nostalgischen ›habsburgischen Mythos‹ erheben Albert Drachs Texte Einspruch. Die Beamtenschaft von gestern und heute zeigen sie als antisemitischen und misogynen Funktionsträger einer inquisitorischen ›Bürokratie‹ – einer omnipotenten Herrschaft der Akten und Protokolle, deren totalitäre Qualitäten man als ›Panprotokollarismus‹ bezeichnen kann. Was Drach dem entgegensetzt, sind zynische ›Proto-Protokolle‹, die über die Verdopplung amtlicher Schreibweisen deren sadistische Anlage enthüllen und die der Literatur und ihrer Veridiktion den Status einer gegenbürokratischen Institution zusprechen.

In Austrian literature of the interwar and postwar period, the bureaucrat, more often than not, is portrayed as an obedient and jovial ambassador of the world of yesterday. Albert Drach’s texts are objections to this nostalgic ›Habsburg myth‹: Yesterday’s and today’s public servants here are rather depicted as anti-Semitic and misogynic function owners; and the ›bureaucracy‹ is conceived of as an inquisitorial and unrestricted rule of dossiers and protocols. This totalitarian ›panprotocolarism‹ is countered by Drach’s cynical ›proto-protocols‹ that, in redoubling the official diction, disclose its sadistic nature. In the end, Drach’s writing establishes literature and its specific ›veridiction‹ as an anti-bureaucratic authority and institution.

Marie Netters Kurzprosastück Müll (1896) kann als der erste Text der deutschen Literaturgeschichte gelten, der ›Müll‹ im Titel führt. Er zeigt, dass Müll bei der Genese moderner Textverfahren eine gewisse Rolle spielt. Der den Titel aufgreifende Ausruf ›Müll!‹ am Ende des Textes lässt sich nämlich in drei Richtungen lesen: Erstens als naturalistisch gefärbte Deutung von Wilhelms Geschichte; zweitens als Selbstbeschreibung des eigenen Verfahrens als Skizze; und drittens als Ausdruck des gescheiterten Versuchs, dem poetisch-realistischen Erzählen ein eigenes Narrativ entgegenzusetzen. Müll ist mit all dem eine Erzählung zweiter Ordnung, deren ›vermülltes‹ Verfahren weder poetisch-realistischen Programmen noch den Ansprüchen texturierten Erzählens genügt, gerade in dieser Position aber seinen literaturgeschichtlichen Ort hat.

Marie Netter’s short prose Müll (1896) can be considered to be the first text in German literature, which carries ›Müll‹ (›rubbish/garbage‹) in its title. It exemplifies that garbage plays a certain role in the genesis of modern techniques. The exclamation ›Müll!‹ at the end of the text which takes up the title, can be read in three directions: firstly, as a naturalistically colored interpretation of Wilhelm’s story; secondly, as a self-description of the text’s own technique as sketch; and, thirdly, as an expression of the failed attempt to set a genuine narrative against the program of poetic realism. Hence, Müll is a second-order narrative, whose ›garbaged‹ technique suffices neither poetic realism nor the claims of textured narratives, but has its place precisely in this position in literary history.